" Художник никому ничего не обязан"
Куратор Кристина Краснянская рассказала TrendSpace о новой выставке Алексея Морозова и состоянии современного искусства в России за рубежом.
9 февраля в Московском музее современного искусства открылась выставка Алексея Морозова Pontifex Maximus, ставшая продолжением проекта, показанного на 6-й Московской биеннале современного искусства в 2015 году. Кураторами экспозиции выступили Кристина Краснянская и Алессандро Романини.
Мы поговорили с Кристиной о пути художника, состоянии современного искусства и тенденциях на арт-рынке в России, на Западе и в Азии.
Алексей Морозов представил тотальную site-specific-инсталляцию Pontifex Maximus, в которой художник рассуждает о бытии на примере мостостроительства, сочетающего в себе архитектуру, скульптуру и инженерное дело. Как вы считаете, обязан ли современный художник работать на стыке разных искусств, чтобы быть успешным, или чистые жанры по-прежнему популярны?
Во-первых, я считаю, что художник никому ничего не должен, кроме как самому себе. Именно на него ложится самая сложная задача - вести диалог с социумом, со зрителями, достучаться до них через свое искусство, поднять актуальные для общества темы и получить реакцию, не оставить равнодушным.
Причем настоящий художник не должен стараться угодить и понравиться, он должен быть честным прежде всего перед самим собой и не изменять тому пути, который он выбрал. С другой стороны, мир меняется динамично и разносторонне: геополитически, географически, экономически. Сегодня мир находится в стадии реконструкции. Система жизни меняется, система мироустройства подвижна. И триединство искусств - очень актуальная тема, отвечающая сегодняшнему дню.
В своем проекте Pontifex Maximus Алексей Морозов как раз раскрывает тему, связанную с соединением архитектуры и скульптуры. Для него реконструкция моста есть реконструкция мира. Мне лично, как куратору, кажется крайне важным наблюдательный взгляд и философское осмысление художником тех процессов, которые происходят в мировой системе координат.
Морозов - очень чистый в жанровом плане художник, взявший очень серьезную планку: сохранение академической традиции, референс к классической скульптуре и присоединение актуального с серьезной философской идеей контекста. Его не кидает из стороны в сторону, он верен себе, все его искусство, его образы и герои являются частью глобальной арт-инсталляции, которая представляет некое единое целое.
Есть ли отличия в жанровых предпочтениях у клиентов в России, на Западе и в Азии? Как вы думаете, чем вызваны эти различия?
На арт-рынке существуют тренды. Они меняются. Не секрет, что есть такое понятие, как "искусство этнического рынка". Это означает, что прежде всего коллекционеры предпочитают собирать свое искусство, которое им близко и понятно, которое связано с ними культурно и исторически: русские - русское, американцы - американское, китайцы - китайское, итальянцы - итальянское...
Хотя, конечно, отдельные художники выходят на мировой уровень, ими начинают заниматься международные галереи, их приобретают коллекционеры со всего мира. Они интегрируются в мировой контекст.
Так было с французскими импрессионистами, рынок на которых стабильно рос до 1992 года благодаря японцам, пока не случился кризис. Все самые серьезные публичные приобретения были сделаны для коллекций в Японии. Так происходило с современным китайским искусством, есть художники русского происхождения, которые востребованы коллекционерами во всем мире (В. Кандинский, М. Шагал, А. Явленский, К. Малевич, Х. Сутин и т. д.).
История искусства циклична, как и его рынок. Например, последнее время вновь растет интерес к старым мастерам, формализм снова востребован. И в то же время в США уже несколько лет сохраняется мода на минимализм. Среди работ современных художников легко угадываются отсылки к русским авангардистам.
Как вы считаете, какие русские художники и тематики наиболее популярны у зарубежных коллекционеров?
Безусловно, русский авангард! Это самое известное, понятное и востребованное направление у западных коллекционеров. Эти художники находятся далеко за пределами этнического рынка, это то, что нас прославляет уже много десятилетий за пределами России, как и русский балет.
Еще, как ни странно, агитационное советское искусство. Американские коллекционеры еще со времен перестройки с удовольствием приобретали такие предметы и сейчас являются обладателями больших и зачастую редких собраний. Плюс конструктивистские вещи (конструктивизм как позднее направление авангарда в архитектуре и дизайне) тоже известны на Западе благодаря выставкам в мировых музеях.
Что делает художника коммерчески успешным?
Я думаю, сложно ответить однозначно. Талант! Ну и правильно сложившиеся обстоятельства, профессиональные галеристы и удача, безусловно.
А если серьезно, когда-то американские арт-мейкеры мне ответили очень просто на вопрос: "Что нужно, чтобы художник попал в мировой арт-контекст?" Ответ был таков: "Он не должен быть слишком политизированным и слишком этническим". Вот такой рецепт.
Куда сейчас движется современное искусство? Есть ли какие-то особенности российского рынка?
С российским рынком всегда очень сложно. У нас мало игроков, заинтересованных в долгосрочном и поступательном развитии художников, их интегрировании в международный контекст. Одним из очень вдохновляющих и радостных событий стал дар коллекции русского современного искусства Ольги Свибловой вместе с коллекционерами, меценатами и художниками Музею Помпиду.
В современном искусстве, в принципе, все не так сложно. Современные художники, как правило, развивают постмодернистские направления, появившиеся во второй половине ХХ века. В России самым активно развивающимся направлением является московский неоконцептуализм.
Каких начинающих художников вы можете выделить?
Не знаю, как насчет начинающих, Emerging art - не совсем мое поле, а вот среди современных и уже так называемых established artists мне очень нравится то, что делают Кошляков, Брускин, Морозов, Чернышова и Гутов.
Как современные технологии влияют на эволюцию изобразительного искусства во всем мире? Связан ли этот тренд с привлечением молодой аудитории?
Безусловно, связан. И дело в том, что мир меняется, амплитуда скоростей все нарастает, сегодня информация мгновенно доставляется, преодолевая тысячи километров за секунду. Появляются новые, современные медиа, а современный художник должен реагировать на то, что происходит, быть on the same page, как говорят американцы, со своей аудиторией.
Мы стали пленниками сетей, о чем очень четко говорится на выставке Морозова, где архитектурные элементы, используемые как пьедесталы в виде сетки с камнями внутри, становятся продолжением скульптуры. Это как раз олицетворение сетей, которые прочно оплели нас, а мы, те самые камушки, стали их пленниками.
Сегодня, наверное, существуют уже все медиасредства, которые было возможно изобрести: живопись, графика, скульптура, контррельеф, коллаж, фотография, видео, перформанс, digital art. Художникам и проще, и намного сложнее одновременно. В нашей выставке на этот раз впервые появилось авторское арт-видео. Оно стало логичным продолжением, смысловым акцентом, придало выставке ощущение динамики и законченности.
Алексей Морозов изучал классическую скульптуру. Как бы вы сейчас описали его стиль?
Морозов занимается современным искусством. Ведь, по сути, на протяжении 500 лет у художников всегда было всего два средства для самовыражения - форма и содержание. И все это время художники экспериментировали, пройдя все варианты комбинаций. Сегодня, когда уже и все формы за ХХ век были выявлены, и все комбинации форма/контент пройдены, художнику непросто сказать свое слово в искусстве.
Я считаю, что Алексею Морозову удалось найти свой стиль, свою нишу. Его искусство - это интеллектуальное искусство, не стремящееся эпатировать и срывать сиюминутную эмоцию. Классическая форма - это поверхностно считываемый месседж. Концептуальная часть его искусства заставляет зрителя погрузиться в философию, историю, социологию, а иногда даже служит поводом что-то прочесть или узнать. Это искусство с глубокой идеей и очень интересными перекрестными ссылками, при этом затрагивающее абсолютно актуальные темы сегодняшнего социума.
Наверное, это искусство, которое заставляет тебя вникать, чтобы понять. Но, на мой взгляд, это и есть одна из миссий искусства - развивать зрителя и заставлять его задуматься об увиденном.
